Instituto Anima De Sophia

Cria Atividade com Mayra

2011-11-24T03:46:00.000-08:00

Lugares Sagrados - Concepção e Organização Raïssa Cavalcanti

2011-10-20T10:34:00.000-07:00

Em Breve, a sua imaginação vai ganhar asas!

2011-10-17T08:44:00.000-07:00

Início do curso Jazz o Som da alma e do Espírito - Curso com Rick Udler, Conceito e organização Raïssa Cavalcanti

2011-08-09T15:03:00.000-07:00

O Som da alma e do espírito. Curso com Rick Udler

2011-07-22T14:05:00.000-07:00

Revista Bons Fluídos - Raïssa Cavalcanti

2011-07-22T06:52:00.000-07:00

Revista Itália - Manual de Valores Humanos para Professores - Instituto Anima De Sophia - Raïssa Cavalcanti

2011-07-05T12:01:00.000-07:00

Correio de Salvador

2011-07-05T10:17:00.000-07:00

No Faustão de 22/05/11 - Eros Oggi. O Sonho da Harmonia, Livro de Jacob Klintowitz

2011-05-23T16:08:00.001-07:00

Fotos Lançamento do Livro - Eros Oggi. O Sonho da Harmonia - Jacob Klintowitz

2011-05-23T15:36:00.000-07:00

Eros Oggi

2011-04-26T10:54:00.001-07:00

Eros Oggi

2011-04-26T10:48:00.000-07:00

Exposição sobre Roberto Carlos mostra o rei em momentos de produção - Curadoria Jacob Klintowitz

2011-04-18T06:27:00.000-07:00

Exposição sobre Roberto Carlos mostra o rei em momentos de produção - Curadoria Jacob Klintowitz

TAINÁ TONOLLI
DE SÃO PAULO

A exposição "Roberto Carlos - O artista e seu público" entra em cartaz hoje em São Paulo e se propõe e mostrar o rei Roberto Carlos em momentos em que está produzindo.

O curador da mostra Jacob Klintowitz conta que nenhuma fotografia é posada ou de estúdio. "As fotos o apresentam enquanto artista, cantando, escrevendo, fazendo duetos, em shows ou gravando em estúdio", explica o curador.

As imagens passam por todas as fases de Roberto, desde a Jovem Guarda até quando "ele se torna um artista que fala para um público amplo" e se torna um cantor de "conteúdos universais", na palavra do curador.

Abaixo, Klintowitz fala mais sobre a mostra e destaque duas imagens: a primeira em um dueto com Caetano Veloso e outra na qual o rei se prepara para entrar no palco.

	J.F. Diorio/Divulgação

	Caetano Veloso e Roberto Carlos se apresentam em comemoração aos 50 anos da Bossa Nova em 2008

Nos links abaixo, é possível ler outras notícias sobre o assunto:

http://entretenimento.r7.com/musica/fotos/veja-fotos-da-exposicao-de-roberto-carlos-em-sp-20110411.html

A Lua, uma experiência astrológica e artística

2011-03-29T20:47:00.001-07:00

Instituto Anima De Sophia, Mandalas Tibetanas Curso e Exposição na Folha de São Paulo de hoje ( 29/03/11)

2011-03-29T13:17:00.002-07:00

Fotos da primeira aula Mandalas Tibetanas e a ampliação da consciência Curso e exposição com Raïssa Cavalcanti.

2011-03-24T13:02:00.000-07:00

Fotos da primeira aula Mandalas Tibetanas e a ampliação da consciência

Curso e exposição com Raïssa Cavalcanti.

Gaudêncio Fidelis, Jacob Klintowitz e Luiz Antonio de Assis Brasil.

2011-03-06T16:08:00.001-08:00

Gaudêncio Fidelis, Jacob Klintowitz e Luiz Antonio de Assis Brasil.

Gaudêncio Fidelis, Jacob Klintowitz e Luiz Antonio de Assis Brasil.

O secretário de Cultura do Estado, Luiz Antonio de Assis Brasil, e Gaudêncio Fidelis receberam Jacob Klintowitz na visita à exposição de Henrique Führo no Margs. O crítico e escritor fez uma palestra no auditório, onde elogiou a mostra que recém havia visitado e destacou a figura de Führo entre outros nomes de importância na arte brasileira. Léo Dexheimer e José Francisco Alves, entre outros, participaram do encontro no final de tarde no Margs.

Curso Giselda Leirner

Yoga no Instituto - Com Carol Seabra

2011-03-03T07:03:00.001-08:00

2011-02-24T10:32:00.001-08:00

This is 3 year old Jonathan conducting to the 4th movement of Beethoven's 5th Symphony. This piece was originally conducted by Herbert von Karajan and the Berliner Philharmoniker, one of Jonathan's favorite conductors and orchestras. Jonathan's passion for classical music became apparent when he was only eight months old. Shortly after that he began conducting on his own.

Mandalas tibetanas e a ampliação da consciência Curso e exposição com Raïssa Cavalcanti

2011-02-23T11:15:00.000-08:00

Diálogo com Jacob Klintowitz - Por Floriano Martins, de Fortaleza

2011-02-21T06:39:00.000-08:00

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Reapresentamos a história de Beatriz Pacheco, advogada que se tornou símbolo da luta contra o avanço do vírus da AIDS na terceira idade. Veja o vídeo e leia a reportagem especial de Sebastião Ribeiro, de Porto Alegre

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Acasos de acordo com o destino:
Diálogo com Jacob Klintowitz

Por Floriano Martins, de Fortaleza

“Eu não gostaria de trabalhar com um modelo, um padrão científico à maneira de Newton.Prefiro este reino de claro-escuro da sensibilidade.” Para o mais importante crítico de arte do país, ouniverso da arte corresponde à alegria da descoberta, ao encantamento do encontro, da identificação com determinadas formas. Conheça as ideias e raízes de Jacob Klintowitz.


Jacob Klintowitz Foto: Cecilia Bastos

O diálogo com Jacob Klintowitz (Porto Alegre, 1941) é uma peça mágica, tear infinito compartilhado com este crítico brasileiro que possui obra dotada de espantosa singularidade, seja pela extensão como pela luz que incide sobre o objeto de todos os seus estudos. De meados dos anos 60 a princípios da década seguinte, Jacob residiu no Rio de Janeiro, ali mantendo, por sete anos, uma coluna diária de crítica de arte naTribuna da Imprensa. Ao transferir-se para São Paulo passou a escrever para o jornal O Estado de S. Pauloe o Jornal da Tarde, tendo sido redator e crítico de arte da TV Globo e crítico de arte da revista Isto É.

Atualmente é curador do Espaço Cultural Citi, assim como conselheiro do Instituto Lina Bo e Pietro Maria Bardi e do Museu Judaico de São Paulo. Vice-presidente do Instituto Anima de Sophia, ganhou por duas vezes o prêmio Gonzaga Duque, da Associação Brasileira de Críticos de Arte. Com uma bibliografia que chega a 110 títulos publicados, escreveu sobre artistas e temas os mais variados e consistentes de nossa cultura. Em 2010, saiu pelas Edições Nephelibata, de Santa Catarina, seu primeiro volume de contos, O portão dourado. A harmonia que alcançamos no diálogo a seguir é reflexo da sinceridade desprendida ou, como ele próprio chegou a me dizer, reflexo da honradez com que conduzimos esse esforço comum, que agora compartilhamos com os leitores de Via Política. Abraxas

FM – Direto ao princípio das coisas: o que o teria levado à crítica das artes?
JK – O lugar onde eu me sinto perfeitamente à vontade é entre imagens, textos, palavras, diálogos. Desde sempre eu fui assim. Aos 10 anos li e fiz uma imediata análise de parte da obra de Fiodor Dostoievski e Honoré de Balzac. Acho que intuí elementos essenciais, inclusive sobre as diferenças entre os dois e seu processo de criação. Aos 14 anos fiz uma redação escolar de assunto livre e escolhi como tema “o medo”, na qual eu amalgamava tudo: a bíblia, especialmente Eclesiastes, Omar Khayyam, Freud, Marx, Darwin. Era uma bela salada mista, mas o professor, Luis Emilio Léo, era um verdadeiro mestre e me gratificou com um “10” por todo o ano, desde que eu entregasse duas redações por mês. Foi o meu começo e o meu primeiro público, um só indivíduo. E não parei mais. Curioso é que, por tantas vezes, à procura de ser mecenas comigo mesmo, eu tenha me desviado do caminho literário e enveredado na aridez executiva.

Em Porto Alegre, Rio Grande do Sul, onde nasci, ainda adolescente e já amigo de artistas, seguidamente eu respondia às entrevistas por eles. Deduzia por sua obra o que eles deveriam pensar sobre as coisas do mundo. Eu nem me dava conta que isto já era crítica de arte. E comecei a escrever no maior jornal da terra, o Correio do Povo. Naturalmente eu escrevi sobre temas que estavam além da minha possibilidade, como Franz Kafka, Cervantes e Gil Vicente.

Quando me senti asfixiado pela vida pequena da, na época, província, e perseguido pelo autoritarismo político, mudei para o Rio de Janeiro, repetiu-se o fenômeno. Fui procurado por um artista chamado Aloysio Zaluar. Ele e seu grupo queriam falar, dar opiniões, mas não sabiam como fazer. Eu escrevi os depoimentos em forma de reportagem. E foi publicado em página inteira no jornal A Tribuna da Imprensa. Eles tiveram a gentileza de colocar também o meu nome como co-autor. A segunda matéria, à falta de máquina, fui escrever na redação. Um senhor elegante e de olho brilhante chamado Hélio Fernandes, dono do jornal, perguntou quem eu era, identificou o nome com a matéria, declarou o meu “talento” e, para encurtar, me deu uma coluna diária no seu jornal a partir daquele momento. Eu me tornei publicamente crítico de arte.

Parecem acasos e talvez sejam. Mas este acaso estava de acordo com o meu destino. E, agora, retornei os comentários sobre literatura e estou publicando a minha ficção. Estou em casa.

FM – Como chegam ao Brasil os Klintowitz e de que maneira a origem familiar influenciaria a tua vida?
JK – A família da minha mãe, Knijnik e Beckerman, russos, vieram para o interior do Rio Grande do Sul numa leva chamada de pioneiros, imigração promovida por Rotschild, que previa a segunda guerra mundial, o assassinato de judeus, e deslocava os mais pobres para o cultivo da terra em lugares distantes. O meu pai, lituano, estava ameaçado de morte em sua terra por lutar pelo comunismo. Era imberbe, poeta, articulista, político. Jovem, sem profissão, numa terra estranha, em outra língua, parte de seu destino não foi cumprida. E a sua família, mãe, irmãos, primos, foi assassinada num único dia pelos nazistas. Tenho a sensação de que nunca saiu do estado de choque.

O meu pai me influenciou por seu amor à verdade, a sua fidelidade aos conceitos éticos, o seu respeito mítico à cultura e à produção cultural. E o Balzac e o Dostoievski que li aos 10 anos foram presentes dele…

FM – Quais artistas foram aqueles que primeiro te despertaram a atenção para um diálogo mais sistemático com a criação?
JK – No campo da literatura, não tenho dúvida de que foi o Eclesiastes, bíblico, atribuído a Salomão; Shakespeare, Franz Kafka, e os poetas e escritores árabes antigos. Nas artes visuais, acho que fui imediatamente capturado e encantado por Piranesi, Leonardo da Vinci, Paul Klee, Pablo Picasso, Constantin Brancusi.

FM – Mark Rothko, em sua última conferência, observou a impossibilidade de descrever o que ele então chamou de “a noção trágica da imagem”. A força com que este novo componente – a imagem – passa a definir a arte no século XX, como modificaria a visão da crítica? Como diferenciar as duas estações dessa atividade intelectual?
JK – Penso que o mundo se modificou. A derrota do assunto em favor do tema faz parte da rejeição ao anedótico em troca de uma visão do mundo e da intermitência da realidade. O que mudou foi o conceito do que seja o real. Alargou-se e perdeu as nítidas fronteiras. O que era considerado real, não é mais, do ponto de vista da ciência.

Do ponto de vista da vida humana, cresceu a importância da intuição, da sensibilidade, da subjetividade. O homem é maior, depois de Freud. O oculto faz parte da totalidade do homem. A arte busca a arte e não o registro de fatos históricos. Ela é a própria história, é o próprio fato, não é a repórter do mundo, senão a biografia de si mesmo. Certamente a imagem, ainda mais a de Rothko, tem o sentido trágico da biografia profunda (não tópica), da narração da vida e, no caso, da narração da própria morte. E por que ele conseguiria expressar o que é esta imagem? Ele já o havia feito na linguagem certa, a sua.

Não vejo dificuldade em falar da imagem. Eu nunca a descrevo, eu nunca quero substituí-la. O que faço é criar equivalências poéticas em outra linguagem, a da palavra. Pretender substituir uma linguagem por outra é amar o fracasso.

A respeito da crítica de arte devo dizer que não sabemos bem o que seja, tantos são os críticos, tantas são as maneiras de fazer crítica. Há o comunicador, o que escreve em veículos de massa. Há o universitário, o que leva a vida no campus, faz parte de departamentos e participa de associações científicas de crítica. E os há como eu, para quem a ideia de uma crítica de arte científica é uma ideia de pesadelo, um mau sonho, e que se guiam pela sensibilidade, pelo amor da linguagem, pelo prazer supremo de descobrir na obra de arte aquilo que eles são, a sua identidade, a sua biografia profunda. A arte que eu gosto narra a minha biografia.

FM – A entrada na modernidade essencialmente se caracteriza por uma visão cosmopolita e a rejeição a toda forma de nacionalismo. O que vimos no Brasil, no entanto, foi justamente uma busca ou afirmação do caráter nacional. Como recorda o mexicano Octavio Paz, a idéia dos estilos nacionais, típica do século XIX, era fruto de países que desconheceram o Renascimento ou o Barroco. Qual o teu entendimento a este respeito? Haveria aí uma singularidade de nossa leitura da modernidade ou simplesmente o que chamamos de modernismo ainda é reflexo de uma cultura subdesenvolvida?
JK – Nós amamos, no Brasil, a hipocrisia do nacionalismo. É ele que justifica os nossos atrasos, que nos faz levantar o nariz e dizer que somos insensíveis, egoístas, destruidores, mas que isto é um jeito tipicamente nosso. O nosso nacionalismo esteve ligado ao fascismo, ao totalitarismo militar, ao atraso. No Brasil, lamentavelmente, toda pessoa terrível e prejudicial levanta a bandeira do amor acendrado e separatista da pátria. A pátria apenas para eles. Um horror.

No caso do modernismo, custa a crer que seja entendido como um estilo, quando é uma postura científica e filosófica. Vingou por muitos séculos, teve a sua glória profana e superficial, e nos conduziu ao caos sem ética e a esta quase hecatombe final da humanidade. Está prestes a se encerrar, derrotado pela ciência quântica, pela psicologia, pela alta literatura, pela arte mais sensível. O mundo se torna mais completo e complexo.

No Brasil, houve muitos equívocos. E como é comum no nosso país, os equívocos tornam-se dogmas. Tornam-se verdades religiosas. Há de tudo no nosso modernismo, até mesmo um pouco de modernismo. E nunca podemos esquecer que os resultados, as obras, são de nível bem mediano.

FM – Em que momento nasce a crítica de arte no Brasil?
JK – Esta pergunta me confunde. Você quer uma descrição histórica, tipo Gonzaga Duque, etc. Ou é ideológico?

FM – Eu me refiro àquele momento em que se percebe a perspectiva de convívio enriquecedor entre a criação e sua leitura crítica. Um crítico espanhol, crítico de literatura, hoje afastado da atividade por decepção com o mundo literário – em face do que agradece que não se faça aqui menção a seu nome – certa vez me disse que a função gratificante que a crítica teria a cumprir seria a de iluminação de certos pontos obscuros da criação. Mas que esse exercício de iluminação jamais deveria ser entendido como a afirmação de uma nova verdade estética.
JK – Há muitas manifestações críticas, diversos formatos, biografias, entrevistas, comentários, e a própria atitude de alguns artistas tem caráter crítico, como a recusa da luz artificial do ateliê, numa cópia do ambiente aconchegante, imaginário e nostálgico de Paris, e a busca da luz da paisagem brasileira na própria paisagem brasileira. É o nascimento da nossa pintura de paisagem.

E eu, para responder a esta pergunta, devo ser absolutamente restritivo e injusto, pois deverei eleger um momento, iluminar este momento e obscurecer tempos anteriores e diversas formas de crítica. Entretanto, do ponto de vista do símbolo, é possível fazer esta eleição. Eu tenho para mim que o momento chave foi a crítica do escritor Monteiro Lobato à exposição de Anita Malfatti, em 20 de dezembro de 1917. O título da matéria, publicada no jornal O Estado de S. Paulo, era “Paranóia ou mistificação? A propósito da exposição Malfatti.”

Anita Malfatti fez uma mostra na cidade de São Paulo, espécie de apresentação após o seu período de aprendizado nos Estados Unidos. A exposição tinha uma atmosfera expressionista e era delicadamente lírica. Monteiro Lobato, escritor de alta relevância e, hoje, um mito literário nacional, investe violentamente contra o que chama de arte moderna, misturando impressionismo, futurismo e cubismo e extravagâncias à moda de Picasso & Cia. [sic] Na sua matéria, Malfatti parece um pretexto. Apresenta, como referência da verdadeira arte, Praxiteles, Rafael, Reynolds, Rodin.

Foi esta crítica que transformou a pintora em uma espécie de mártir do modernismo brasileiro e que serviu de alvo, de inimigo ideal, para a Semana de Arte Moderna, em 1922, uma tardia manifestação. Deve-se notar que a Semana de 1922 só se tornou possível porque o escultor Victor Brecheret, então um quase desconhecido, tinha um conjunto magnífico de esculturas. Anita teve um papel mais limitado na Semana.

Esta crítica foi um divisor de águas e serviu como paradigma pró e contra as inovações artísticas. Foi utilizada politicamente, manipulada, transformada em manifestação emblemática. E muito pouco analisada. Apesar de seu conteúdo conservador, da tolice e da incompreensão do que seja arte, do distanciamento do pensamento expressivo e do novo conhecimento científico e cultural, é importante a hipótese levantada por Monteiro Lobato das questões relativas à paranóia e à mistificação. A aparência libertária, o foco romântico no artista e não na obra, a simplificação das análises culturais, a contaminação da arte pela publicidade e pelo marketing, atualizam estas questões colocadas por Monteiro Lobato.

Monteiro Lobato é um escritor seminal no Brasil. Ele não sucumbiu na mediocridade. O que ele confusamente chamou de arte moderna é hoje a única arte que se pratica, em suas múltiplas e infinitas facetas. E a nossa época, doente de narcisismo, corrupta e egocêntrica, uma época patológica, fez aflorar o deboche como método. Às vezes, por guerras na vida cultural, alguém perde o senso de medida, como foi este momento de Lobato, atira no que vê e acerta em outro alvo. É o caso. De qualquer maneira, não conheço nada no Brasil que tenha causado tanto impacto. É uma crítica injusta, desproporcional, abrangente e excessiva. E facilitou a causa que condenava. E foi o marco inaugural da nossa crítica de arte.

FM – Seria possível, cronologicamente, saltar daí para a última crítica, ou seja, há um exemplo de igual teor explosivo atualmente que, independente do sentido de justiça, possa ser destacado como marco na crítica de arte que (ainda) se faz no Brasil?
JK – Não haverá mais, imagino eu, este teor explosivo. Nada mais choca em nosso mundo. A antiga ideia, ainda hoje adotada por muitos artistas auto-denominados de “vanguarda”, de chocar o burguês, é um arcaísmo tolo. As imagens da destruição, das guerras, dos mortos, ou das vítimas da incúria governamental, com barracos destruídos por deslizamentos dos morros, ou vítimas de enchentes em razão da destruição ambiental, tribos aniquiladas por tribos rivais no poder, as epidemias de novas doenças como a AIDS, convivem com notícias fúteis do ambiente da moda e do comportamento. Morte, destruição, genocídio, convivem no mesmo espaço, dividem o mesmo tempo, nos noticiários. De que maneira uma pintura, ou auto-mutilação física e estética, ou sacos ensanguentados, ou um espaço artístico saturado de materiais de embalagens, podem chocar? Também um texto crítico não será explosivo. Hoje as novas ideias se remetem à inteligência e têm um fatal tempo de amadurecimento.

Em três ocasiões específicas, eu acho que contribuí para o desenvolvimento da crítica, ou para o seu aprofundamento, para a sua diferenciação. Mas fico constrangido de relatar estes fatos históricos, pois pareceria relato em causa própria ou missa de corpo presente.

FM – Mesmo assim terás que relatá-los, menos como satisfação pessoal do que pela ilustração que tais ocasiões representam no cenário geral de nossas artes.
JK – Na década de 60, numa votação no Museu da Imagem e do Som, no Rio de Janeiro, discutia-se um prêmio de destaque, na época de grande repercussão midiática. Eu votei em aberto, publiquei o meu voto na Tribuna da Imprensa. Votei em Israel Pedrosa, afirmei saber que ele teria um só voto. Ficou registrado que a grande conquista da pintura brasileira, o domínio da refração cromática com a qual Israel Pedrosa pintava, era um marco e que havia este reconhecimento. Eu estava desligado da festa das premiações. Aquele voto solitário e o seu registro jornalístico ficaram ressoando.

Nas décadas de 70 e 80 eu sistematicamente desmistifiquei as falsas teorias da morte da arte, analisei exposições que se pretendiam hegemônicas, defendi artistas relegados à obscuridade por não serem moda e, finalmente, esta série culminou com uma análise fonética da exposição de um artista, Antonio Dias, cujo mérito principal, nesta mostra, seria o seu suporte, um papel artesanal feito no Tibet. A minha análise tinha um caráter irônico e brincava foneticamente com os sons das palavras. Hoje certamente eu não utilizaria a ironia, mas nada tenho contra o maravilhoso Jonathan Swift… Simplesmente eu mudei e utilizo a forma poética para defender as minhas ideias e não mais a ironia. Hoje se multiplicam livros sobre a auto-denominada vanguarda e sobre certas teorias oportunistas sobre comunicação e arte. Curiosamente não citam este meu trabalho que durou cerca de 20 anos.

O terceiro momento foi um livro e uma exposição com o título de “A ressacralização da arte”, inaugurada, no SESC Pompéia, no belíssimo prédio reconstruído por Lina Bo Bardi, em 10 de março de 1999. A gestão iluminada da Federação do Comércio, onde o SESC está incluído, era de Abram Szajman. Este livro e esta exposição inauguram, talvez em nível mundial, uma nova era da arte, demonstrando o seu aspecto espiritual, a sua porção de divino, a sua capacidade de perceber o universo, a sua abertura para reconhecer o raio de luz, para ter em mãos e nos apresentar o maravilhoso.

A ideia da dessacralização da arte, repetida à exaustão, não é senão uma pálida repetição do modernismo a partir da Renascença. Qual o sentido de continuar com este conceito, como se ainda tivéssemos que combater a igreja católica? E como ignorar o caráter espiritual que a ciência contemporânea nos deu? E que a arte produz, há mais de um século, e que ninguém quer ver e só deseja repetir um slogan anti-católico e louvar um paradigma científico newtoniano?
Estes três momentos, selecionados com a visão de hoje, deste momento atual, apresentam um novo percurso da crítica de arte no Brasil.

FM –Voltemos ao ponto do modernismo. O nível mediano que defines como sendo característico das obras de nosso modernismo – aspecto este que está longe de restringir-se apenas a esta referida etapa – acaso teria algo a ver com a ausência de diálogo do artista brasileiro com as demais tradições estrangeiras? Historicamente criamos aqui uma espécie de ilha de presunção que nos aliena em relação ao resto do mundo. Qual a extensão desse prejuízo e até onde crês que o mesmo possa algum dia ser remediado?
JK – Eu falava do nível mediano em condições específicas dos atos políticos geradores da bandeira do modernismo. Em regra, as manifestações culturais são medíocres, na acepção do termo, ou seja, medianas. A humanidade parece ter um percentual para produzir gênios. No Brasil, território continental e população de cerca de 200 milhões, não se produz mais gênios do que se produziu na pequena Florença renascentista.

Nós temos, apesar de tudo, grandes artistas e obras significativas. Cândido Portinari, Maria Martins, Vicente do Rego Monteiro, Alberto da Veiga Guignard, Victor Brecheret, Ismael Nery, Lasar Segall, Antonio Bandeira, Israel Pedrosa, Mario Cravo Jr., Marcello Grassmann, Aldemir Martins, Norberto Nicola, Iberê Camargo, Fayga Ostrower, Maria Bonomi, Yukio Suzuki, Roberto Magalhães, Henrique Leo Fuhro, Megumi Yuasa, Antonio Hélio Cabral, Liana Timm, Shoko Suzuki, Sérgio de Camargo, Manabu Mabe. É uma listagem de várias gerações e injusta, pois feita de improviso, e sei que me magoará observar mais tarde nomes que esqueci no momento.

Os nossos artistas estão muito a par do que se faz no mundo. Às vezes, este saber do mundo é até excessivo, pois se transforma em submissão. Os autistas são os sucessivos governos brasileiros, como se pode observar na miséria inamovível da nossa população, sem acesso real à saúde, habitação e educação. E no discurso demagógico e salvacionista que, tristemente, encontra eco na população despreparada. É o pesadelo vivo da América Latina. A nossa arte está à par, e, em alguns casos, sabe criar as suas trilhas ou estar em terreno nunca antes pisado por pés humanos. Estou pensando em gente como Israel Pedrosa, Guignard e Volpi.

FM – O grande enriquecimento da crítica, não somente a crítica de arte, mas da criação artística de uma maneira geral, se deu justamente com a busca de um caráter literário para a mesma, sem restringir-se à linguagem cientificista. Escritores como Octavio Paz e Milan Kundera, por exemplo – pensando aqui nas duas áreas, da poesia e da narrativa –, deram um novo brilho à crítica literária. Como observas o tema? Quais outros nomes na crítica de arte no Brasil situarias ao teu lado?
JK – Existe no Brasil, uma tentativa de restringir a crítica de arte a um instrumento técnico ou científico. É o mecanicismo, aliado ao oportunismo burocrático que se instalou nas nossas universidades. Nada pode ser mais contrário ao meu ser do que isto. Aceito que existam muitos tipos de crítica, é claro. Mas o meu espírito pertence à aventura da descoberta sensível e intuitiva. Eu nunca abandonei a ideia de que a crítica de arte é um aspecto da literatura.

Em defesa do meu ponto de vista, recolhi no mundo mais de 50 escritores que fizeram crítica de arte. Alguns de maneira constante, outros mais eventuais. Mas não é a persistência ou o número que caracteriza o crítico de arte… Eu considero o Honoré de Balzac, com o seu conto “A obra prima desconhecida”, um crítico de arte fundamental. Quem pode determinar que a crítica deva ser escrita de maneira cartesiana? Você me pergunta sobre o Brasil, mas citou autores não brasileiros… Eu gosto da qualidade literária de alguns críticos que tivemos e, em alguns casos, talvez a crítica não tenha sido a sua atividade literária principal, mas isto não importa: Walmir Ayala, Geraldo Ferraz, Haroldo de Campos, Clarival do Prado Valladares Antonio Callado, Jayme Mauricio, Antonio Bento, José Geraldo Vieira, Mario Garcia-Guillén, Lélia Coelho Frota.

FM – Quando me referi a outros não o fiz em relação a Paz e Kundera e sim em relação à tua presença, que é bem destacada, embora fragmentada por conta da própria condição de textos esparsos situados como estudos introdutórios de um número surpreendente de livros (não me refiro à tua lista de críticos, pois a considero demasiado irregular). Talvez fosse o caso de hoje se recolher em alguns volumes os teus textos críticos. Já pensaste nisto?
JK – Tenho pensado nisto, mas ainda não pude me concentrar o suficiente. É importante como registro histórico do país. É importante, para mim, como registro histórico meu. Penso em fazer isto em três ou quatro volumes. Pensei nos últimos anos, e em coisas antigas. Achei que um bom título seria “Ensaios mínimos”. Um outro volume só de ensaios longos. Penso nisto, mas acabo sempre envolvido em projetos atuais. Tenho que considerar que este trabalho de criar antologias de mim mesmo pode ser uma coisa atual…

FM – Como observas a relação entre dois mundos originalmente incomunicáveis como o são o ambiente das galerias e a arte de rua? Penso aqui, ilustrativamente, em uma conexão curiosa entre Bansky, Mr. Brainwash (Thierry Guetta) e Vik Muniz, no sentido de uma arte espontânea que nasce nas ruas e, no caso do inglês Bansky, caracteriza-se como interferência de conteúdo e não apenas de método ou manipulação de conceitos sociais. Paralelamente o francês naturalizado estadunidense promove uma espécie de diluição elevada à enésima potência, que acaba por inspirar o brasileiro. John Cage, ainda nos anos 60 do século passado, falava no fim da arte de conteúdo, mas me parece que hoje exageramos na dose, não?
JK – Escrevi um artigo certa vez, reproduzido para a minha glória em um livro de Samir Curi Mezerani, sobre a rua. Arte da rua para mim é a própria rua. Não sou um fetichista que idolatra o suporte. Tela, papel, azulejo, cimento, muro velho, parede cega, computador, vídeo, cinema, aço, mármore, não é tão significativo para mim. Acho que este movimento a favor do que chamam de arte da rua é puramente mercadológico. Neste caso, nada mais próximo das galerias de arte do que os grafittes. Basta ver onde este pessoal está expondo e vendendo. É apenas uma contradição verbal, discurso para mistificar. Nada contra, de qualquer maneira, pois o mercado não me diz respeito. Existem, naturalmente, bons artistas desenhando em galerias públicas, muros, túneis. E péssimos artistas. Na tela também encontramos bons e maus pintores. Mas, convenhamos, é muito difícil um grande artista obstinado em desenhar numa parede velha que será demolida…

Também não acredito em artista ingênuo, no sentido filosófico. Existem artistas ignorantes de seu ofício. Existem artistas ignorantes em relação aos conhecimentos atualizados de ciência, arte e cultura. Mas todos têm uma formação social e são habitantes da linguagem. O que Cage quis dizer com esta frase que você cita? Fora do contexto não sei o que responder. Aparentemente ele pensa que uma arte formal não tem conteúdo. Será isto? Ele estará dissociando forma e conteúdo? O que houve foi o deslocamento do assunto para outros gêneros de expressão, e a arte ficou com o tema. Se se trata disto, ainda que mal formulado, está certo em princípio, mesmo que eu não goste de dogmas em arte. A cada artista que nasce, existe a possibilidade de reformulação. E isto vale para a técnica, para o suporte, para o próprio conceito de arte. A arte se escreve a cada novo artista.

FM – Como sabes a obra de Cage está baseada na fragmentação (ele próprio a considerava resultado de seu “envolvimento com o acaso e a indeterminação”), havendo certa dificuldade em contextualizar suas assertivas ou mosaico de ideias. Intuo que à altura da citação, em 1966, época em que considerava a beleza como um princípio a ser evitado e o jazz como a utilização da música como discurso, entendesse que a arte estava sendo esfacelada pela separação entre forma e conteúdo. Evidente que na plástica a forma pode ser o conteúdo. Porém a sua expressão será sempre mais rica quando, digamos, o todo exigir a presença de cada uma das partes.
JK – A arte pode nascer a cada novo artista. Veja que ato falho, o meu. No lugar de “…pode nascer a cada novo artista” eu digitei “a arte Poe nascer a cada…”. É o exemplo vivo do que falo: Edgard Allan Poe inventou a literatura policial, a literatura de horror. E, se formos mais a fundo, em Poe há tantos indícios do novo, coisas que vemos em outros artistas atuais e que estavam indicadas nos seus textos. Eu, às vezes, fico cansado de tantas regras. Aliás, não se cumprem. As técnicas ressurgem, os valores se modificam. E se eu disser, e demonstrar, que o principal na obra de Jackson Pollock é o seu lado mágico? Não está fora dos ditames? E quando o apresentam como um expressionista é escamotear o principal. De repente, estamos teóricos demais. Eu, ao menos, estou no limite com tantas teorias... Talvez você esteja mais preparado do que eu para seguir adiante neste terreno… Como crítico, eu primeiro observo as obras, depois faço a teoria… É o meu gênero de crítico.

FM – Como entendes o papel que possa representar o desenho em uma era digital como a que vivemos? Acaso seria saudosista a ideia de que é prejudicial para a arte e, em especial, para o homem, o ostracismo que é dado, sob certo aspecto, ao chamado mundo manual?
JK – O desenho é o que designa, o que estabelece o contorno, o que diz dos limites, é o que discrimina. Sem desenho não há vida inteligente na arte. Eu não o considero manual, mas inteiramente mental. Rima, mas são coisas diferentes. Também na utilização de novas técnicas o artista terá que estabelecer uma espécie de desenho. Na percepção do artista o desenho já está pré-figurado. Acho o desenho fundamental. Ele é tão arcaico quanto o homem. E não consigo imaginar um mundo artístico sem o desenho.

FM – O quanto a arte pode mudar a vida de uma pessoa ou do mundo?
JK – A arte muda o mundo. Eu acredito na força do espiritual. Mas leva o tempo que for. A medida da vida humana é curta. Para mim, a arte é o espelho que mostrou e demonstrou a minha identidade. Eu pouco seria sem ela. É o que me alimenta. Uma época eu tive uma doença que parecia grave e que não era diagnosticada corretamente pelo médico, de resto uma escolha errada minha. Insone e com dores terríveis, eu lia Borges e tudo entrava em harmonia: o mundo parecia ter sentido.

FM – Recordo então uma observação sagaz do Borges de que “a imprecisão é tolerável ou verossímil na literatura porque sempre tendemos a ela na realidade”. Como lidar com essa fatia valiosa da imprecisão ao ler criticamente uma obra de arte?
JK – Na obra de Jorge Luis Borges fica clara a sua concepção do infinito e da nossa incapacidade de não só abarcarmos o infinito, como até mesmo de imaginá-lo. Somos todos tecnicamente ignorantes por só percebermos parte do todo. As concepções religiosas mais profundas insistem no fato de que o nosso mundo é uma forma de ilusão. A ciência, em certa medida, também nos indica que o que vemos não é a realidade, mas uma visão subjetiva e utilitária do mundo.

Eu aceito a imprecisão, não só da arte, mas de tudo em que estamos e somos. Também o que escrevemos sobre o que percebemos está envolvido nas brumas, nas sombras, e, tantas vezes, a sombra nos assombra. O que existe é infinito e a nossa percepção é finita. O que sabemos é parte, não o todo. Nem mesmo sabemos tudo de nós. O mundo é uma ilusão, segundo alguns iniciados, e nós trabalhamos sobre estas ilusões e, no meu caso, comento organizações de linguagem sobre o mundo. Pretender um excesso de originalidade é tolo. Não se manifestar, não contar a nossa intuição é mais tolo ainda.

Também o que faço é impreciso. Sombra de sombras. É o mundo dos homens. Eu não escondo esta área de sombra e de imprecisão, antes até, eu a aponto, eu a indicio e deixo claro, para o leitor, e para mim mesmo, que estou tratando de contar a minha percepção. Por acaso, ou nem tanto é um acaso, o que eu escrevo encontra muitos leitores. Partilhamos das mesmas dúvidas, comungamos no mesmo desejo de sabermos o que somos. A arte é naturalmente imprecisa, de limites não claros e definidos. Ainda bem, eu não gostaria de trabalhar com um modelo, um padrão científico à maneira de Newton. Eu prefiro este reino de claro-escuro da sensibilidade.

FM – Esquecemos algo?
JK – Esquecemos de reafirmar que o princípio que rege a arte, em qualquer gênero, é o do prazer. Não só na concepção, mas como entendimento do mundo. Eu estou neste universo das imagens e das palavras porque sinto prazer. A alegria da descoberta, do encontro, da identificação com determinadas formas. Este universo da arte – não o circuito da arte – é de encantamento.

[São Paulo, Fortaleza – fevereiro de 2011]

20/2/2011

Fonte: ViaPolítica/O autor

Floriano Martins (Brasil, 1957) é editor da Revista Agulha Hispânica e diretor do Projeto Editorial Banda Hispânica. É poeta, ensaísta e tradutor.

E-mail: floriano.agulha@gmail.com

Outras entrevistas de Floriano Martins publicadas em ViaPolítica:
A alma verde de Zofia Beszczyńska
Diálogos cubanos: Um encontro singular
A América defendida por Miguel Grinberg
Um poeta chamado Lêdo Ivo
Floriano Martins: “Sempre entendemos a poesia como mera pirotecnia”

21.02.2011

Danças Circulares

2011-02-16T10:02:00.000-08:00

Cursos Instituto Anima De Sophia: Novos dias e Horários

2011-02-06T16:54:00.001-08:00

Divas. Jogo de armar, jogo de amar

2011-02-03T19:17:00.001-08:00

Divas.

Jogo de armar, jogo de amar.

Jacob Klintowitz

Alguns artistas são movidos pelo desejo de guardar para sempre um raio de luz. Neto Sansone constrói, de maneira permanente, a memória de sua emoção e utiliza para isto a sombra da mulher amada com a qual nunca esteve, mas que sempre esteve nele como modelo no plano das idéias perfeitas. O que o move senão a vontade de ter nas mãos um pouco do sol e, diante dos olhos, o desenho que adivinhou no espelho embaçado da água?

O que impressiona, antes de tudo, em Neto Sansone é ele organizar duas memórias ficcionais, uma feita de luminosidade no escuro, outra feita de ícones de uma geografia psíquica. Sempre a presença do feminino, corporificado em imagens conhecidas e distantes, polaridades reiteradas. Primeiro, a mulher na projeção cinematográfica, heroína sutilizada, protótipo de emoções e aventuras, idealizada, imaterial e remetida à nossa imaginação.

E, se a primeira das figuras femininas é feita de sonho e imaterialidade, a segunda figura, retirada da história da arte e da ação de artistas seminais, é feita de pura materialidade, pois a pintura é concretitude. Na pintura, antes do feminino, temos a própria pintura, com as suas exigências formais, a sua filiação sensível, o significativo percurso do pintor, a resposta à determinadas questões de época.

É provável que para Neto Sansone, a junção destas duas formas de significação, antípodas em princípio, se torne uma única forma, feita de sonho e peso, vôo sideral e gravidade. É esta junção, do retrato luminoso ao peso autoral, que organiza o diálogo do artista Neto Sansone com a sua história pessoal, a de homem contemporâneo e visitante da história da arte.

Neto Sansone despe os seus personagens das cores originais, a carnalidade cinematográfica e o cromatismo pictórico. E os pinta em cinzas, pretos e brancos, tornando-os seus e habitantes de seu sonho. E os coloca lado a lado, em relações que podemos adivinhar, por vezes, ou conservam o seu enigma.

Uma mulher feita de projeção, outra mulher fixada em óleo sobre tela. Primeiro, as mulheres dos filmes, pura luz e movimento. Depois, as mulheres nas simbólicas e estáticas pinturas. Tanto num caso, quanto no outro, Sansone retira a cor, o histórico do trabalho referente, e o transforma no seu universo de sombras, luzes e ficção. Ele sugere que se trata de construção, jogo de armar, jogo de amar.

Cartão de Natal

2010-12-15T10:15:00.000-08:00

Abigraf - Jacob Klintowitz

2010-12-08T11:21:00.000-08:00

Novo Ciclo de Cursos - Arte no Século XXI - Por Jacob Klintowitz

2010-10-30T16:08:00.000-07:00

Palestra Jayme Furini - Inscrições Abertas

2010-10-27T08:28:00.000-07:00

2010-10-22T11:26:00.000-07:00

Este é um exemplo tocante da superação das diferenças.
E como a beleza pode ser compartilhada. Raïssa Cavalcanti

"Levanta o espírito do ser-humano do nosso tempo confrontar-se com situações [hoje em dia] raras, porem magistrais; como a dessa bela cena em que jovens de diversas etnias e condições físicas superam os seus limites e também d'aqueles impostos pela sociedade para se lançarem num sublime canto [Lennoniano] de protesto contra o preconceito."

Jerry Udler

Levanta-te - Enviado Por Raïssa Cavalcanti

2010-10-14T12:57:00.000-07:00

Raissa Cavalcanti recomenda este vídeo como exemplo de perserverança, fé, confiança na vida e superação.

Workshop de Danças Circulares - Inscrições Abertas

2010-10-10T08:59:00.000-07:00

Reler Kafka Por Giselda Leirner Laboratório Círculo de Leitura e Discussão de Textos Literários

2010-08-25T14:12:00.000-07:00

Eva Soban. O ato e o fato dia 14/08 às 10:00

2010-08-10T06:43:00.000-07:00

Grupo de Psicodrama Erika Strack

2010-08-02T07:20:00.000-07:00

Destaque Valores Humanos: Revista Veja e o Perdão

2010-07-27T11:47:00.000-07:00

ESPECIAL VINYASA YOGA

2010-07-12T13:27:00.001-07:00

A Presença Italiana na Arte Brasileira - por Jacob Klintowitz

2010-07-01T06:52:00.001-07:00

O Instituto e a busca por Valores Humanos

2010-06-18T19:36:00.000-07:00

Tai Chi Chuan, Danças Circulares e Vinyasa Yoga

2010-06-09T04:17:00.000-07:00

Danças circulares rompem circuito alternativo e viram moda até na noite

2010-05-29T06:21:00.000-07:00

Danças circulares rompem circuito alternativo e viram moda até na noite

IARA BIDERMAN

COLABORAÇÃO PARA A FOLHA

Dança de roda, todo mundo sabe, é aquela brincadeira de criança ou manifestação folclórica presente em qualquer canto do planeta.

Veja galeria de fotos

Modernos trocam dança individual por cirandas; assista

Quando recebe o nome de dança circular, acrescida ou não do adjetivo "sagrada", ganha ares de coisa alternativa, restrita a iniciados e à turma que tem um pé na lama de Woodstock (e idade para ter visto isso).

João Brito/Folhapress

O bailarino Mohamed El Sayed veio a São Paulo ensinar o giro sufi

Só que a ciranda já botou seu pezinho no mundo dos modernos do século 21. Em algumas baladas, gente de 20 a 30 anos está dando as mãos para dançar em rodas ou espirais com a base coreográfica e musical de danças circulares tradicionais.

A tradição, nesse caso, é a dos países balcânicos (no Leste Europeu). A balada é a festa Go East, criada no Rio de Janeiro, onde acontece todo mês, e replicada em São Paulo, onde ocorre com menos regularidade, mas com a mesma animação.

Ao som de ritmos típicos de povos eslavos e ciganos, mixados com música eletrônica como drum"n'bass e dub ou até mesmo rock, o povo da noite também resolveu cair na dança circular.

"Nas festas, sempre tem o momento roda. Até quem não sabe do que se trata entra", diz Maria Tereza de Almeida, 25, DJ e produtora dessas baladas.

"É sempre o ápice da festa. Em balada tem muito a atitude "você com você", cada um dançando sozinho. Na roda, a vibração é outra, é a de compartilhar", defende Maria Tereza.

Um dos benefícios mais citados da dança circular é o aspecto inclusivo e coletivo, capaz de criar vínculos e relações de solidariedade entre os praticantes.

Não é pouco, em uma época em que a competitividade (e o estresse que ela gera) tomou conta até das atividades voltadas ao bem-estar.

FLUXO DE MOVIMENTO

Dançar em círculo leva a um ritmo diferente daqueles criados por comportamentos ansiosos, na visão do psiquiatra Paulo Toledo Machado Filho, que é coordenador do curso "Jung e Corpo", do Instituto Sedes Sapientae, em São Paulo.

"A dança circular relaxa, alterando os neurocircuitos do estresse", diz ele.

Por essência, a roda não cria nada competitivo, já que não há quem fique na frente ou atrás. Como o importante é manter o ritmo e a forma circular, quem erra o passo é imediatamente ajudado pelo colega, para que o fluxo do movimento seja mantido.

Pode ser, em outras palavras, o que chamam de "fluxo de energia" gerado por essa prática.

Além disso, é uma atividade artística, que não requer prática nem habilidade para ser realizada.

O que não quer dizer que seja pouco refinada em termos de movimentos ou uma prática isenta de desafios.

A fisioterapeuta e professora de danças Betty Gervitz, que dá aulas de danças étnicas em São Paulo, afirma que o trabalho neuromotor da dança circular é bastante requintado.

A roda desenvolve a bilateralidade (controle motor dos lados esquerdo e direito do corpo) e exige que o cérebro processe a informação sobre o movimento de forma diferente da que está habituado.

"Normalmente, quando aprendemos um passo ou uma coreografia, imitamos quem está à nossa frente, como um espelho. Em uma roda, você tem que fazer o movimento contrário do feito por quem está na sua frente", explica Gervitz.

Ao mesmo tempo, é preciso regular o passo, respeitar o espaço do outro e seguir ritmos pouco óbvios -as músicas não são exóticas apenas por virem de culturas diferentes, mas também porque têm padrões rítmicos com contagens de tempo diferentes das usuais.

A mágica é que tudo isso pode ser complexo, mas basta entrar na roda para tudo acontecer naturalmente. "A roda é um facilitador, ela te leva; como os passos se repetem, o corpo vai assimilando essas novas informações gradualmente", diz Gervitz.

O fator prazer também ajuda. A alegria da música, a animação do grupo e o fato de não ser preciso sofrer para atingir um determinado objetivo colaboram para aumentar a produção de neuro-hormônios ligados à sensação de bem-estar, como por exemplo as endorfinas.

E claro, também há um considerável trabalho aeróbico que, além de estimular as endorfinas, aumenta a capacidade cardiorrespiratória, queima calorias e ajuda no controle da pressão arterial, entre outras coisas.

MODELO DE ORDEM

Aos efeitos físicos, somam-se os benefícios extracorporais das danças circulares. "O círculo é o modelo organizador para a psique e realizá-lo fisicamente ajuda a pessoa a se organizar internamente", afirma o psiquiatra Paulo Machado Filho.

A psicóloga Glaucia Rodrigues, coordenadora do Centro de Estudos Universais, que promove cursos de danças circulares, diz que a roda ou qualquer movimento circular, como girar sobre o eixo do próprio corpo, ajuda a pessoa a se autocentrar e a se equilibrar.

"Na roda, a pessoa precisa estar presente, inteira naquela situação. Ela precisa estar o tempo todo conectada com o espaço e com o seu corpo", diz a bailarina Rosane Almeida, que ensina danças brasileiras no Instituto Brincante, em São Paulo.

Essa conexão é entendida por muitos como uma forma de meditação ativa. Para várias culturas, é uma oração em movimento -daí a concepção de dança sagrada.

Danças circulares vinculadas a rituais religiosos estão presentes em diversas tradições. Aparecem no candomblé, em cerimônias indígenas ou no giro dos sufis, que são os místicos do islã.

Nessas situações, os praticantes costumam passar por algum tipo de iniciação, que os integra ao sistema de crenças em questão e os prepara para lidar com pequenas alterações de consciência, segundo Paulo Machado Filho. "Na relação com o ritmo e com o movimento, o praticante tem uma percepção diferente da realidade. Em termos psicológicos, deixa de tomar o próprio "eu" como referência, consegue ver as coisas em uma esfera maior", diz o psiquiatra.

O bailarino egípcio Mohamed El Sayed, que no mês passado deu um workshop de giro sufi em São Paulo, acredita que a dança sagrada "supera a materialidade", usando o corpo como uma conexão entre o céu e a terra.

Simbolicamente, as danças circulares reproduzem o movimento dos astros celestes, como o de rotação (sobre o próprio eixo) e de translação (ao redor de um centro). Algumas correntes restringem essa prática aos iniciados. "As alterações de consciência causadas pela dança podem levar a estados descritos como êxtase, e nem todo mundo sabe lidar com esses efeitos. Por isso a exigência de uma preparação", pondera Machado Filho.

Para Sayed, porém, a essência da dança e a funcionalidade dos movimentos circulares permitem que o giro seja feito de forma mais solta e por qualquer pessoa. Basta estar disposto a se deixar levar, ser levado pela música e pelo grupo, se concentrar no aqui e agora. E girar.

Fonte: Folha de São Paulo

Palestra A felicidade em Platão e Aristóteles - Chiu Yi Chih

2010-04-26T21:20:00.000-07:00

Palestra A felicidade em Platão e Aristóteles - Chiu Yi Chih

Debater os temas fundamentais da história humana faz parte do ideário do Anima De Sophia, pois é permanecer no essencial da busca dos valores humanos e dos elementos perenes na história da ética. É por esta razão que o Instituto criou um curso de filosofia de um ano e trouxe vários especialistas para conferências sobre temas específicos.

O jovem Chiu Yi Chih mestre em filosofia antiga, bacharel em Letras clássicas, é um destes professores convidados, e escolheu para a sua palestra no Anima de Sophia o tema mais polêmico da história humana, “a felicidade”.

Chiu Yi Chih fará uma análise do conceito de felicidade na Grécia, a partir do pensamento de seus dois filósofos fundamentais, Platão e Aristóteles, ambos sucessores da escola socrática. Neste caso estarão sendo expostos a felicidade entendida como estado de plenitude no homem em situação com o mundo e capaz de cumprir com os seus deveres, e a felicidade subjetiva, a do homem sábio, equilibrado internamente, que consegue a plenitude justamente pela sua condição pessoal. A essência da discussão atual do que seja felicidade, já se encontra, na sua essência, nas discussões colocadas pela civilização grega.

Sábado, 15 de Maio às 10:00.

Instituto Anima De Sophia

Rua João Lourenço, 683 - CJ 102 - Vila Nova Conceição

Jornal do Instituto 03ª Edição

2010-04-24T17:57:00.001-07:00

Videos Instituto Anima De Sophia

2010-04-18T20:54:00.001-07:00

Agora você pode adquitir os video dos artistas que expuseram no Instituto:

Sérgio Lucena, Fernando Araújo e Carola Trimano.
Todos com Palestra crítica de Jacob Klintowitz!

Entre em contato conosco!

Aulas de Yoga no Instituto Anima de Sophia

2010-04-14T06:58:00.001-07:00

Fotos A Recriação do Fantástico - Carola Trimano

2010-03-26T12:48:00.000-07:00

No dia 20 de março, às 10:00h, o Instituto Anima de Sophia inaugurou a mostra “A recriação do Fantástico”, de Carola Trimano, composta de pinturas, aquarelas,gravuras e objetos.
Nesta exposição, Carola Trimano apresentará uma síntese expressiva de seu percurso.

Segundo o crítico de arte Jacob Klintowitz:
“...a artista é representativa de uma significativa tendência cultural, a que é capaz de ver o nosso tempo como uma possibilidade de recuperação histórica de antigos conhecimentos.”
“A nossa visão da época é naturalmente fragmentária. De tal maneira estamos inseridos no tempo que percebemos apenas alguns aspectos...

...O trabalho de Carola Trimano traz uma visão
particular e tem a peculiaridade de uma espantosa
unidade. É uma parte expressiva do todo. Ainda mais, por também se revelar como uma reorganização de
conhecimentos históricos do esoterismo...

...Este caráter de síntese que ela confere ao século equivale à um projeto de construção cultural. Carola Trimano é uma artista que trabalha com duas matrizes.
A primeira, é o tratamento de imagens em computador que, posteriormente, recebem vários tipos de impressão, em suportes bidimensionais. O segundo vetor é o uso de papéis e colagens, com o qual confecciona formas tridimensionais instigantes e originais, tais como manequins, objetos inusitados e grandes medalhões...

...Estas imagens estão vinculadas à história das imagens, o que possibilita que as suas figuras estejam ligadas ao teatro, à literatura e aos movimentos estéticos.”

Vernissage - A recriação do fantástico - Carola Trimano

2010-03-11T11:58:00.001-08:00

A descoberta do gesto xilográfico - A aula personalizada de Perez Sola

2010-03-09T10:42:00.000-08:00

Debate: O Gesto Xilográfico e os Caminhos da Arte Contemporânea - 24 de Fevereiro de 2010

2010-02-27T07:09:00.000-08:00

Fotos Exposição:Ely Bueno e Maria Perez Sola - Instituto Anima De Sophia - 20 de Fevereiro 2010

2010-02-27T06:53:00.000-08:00

Exposição - Yoga, Danças Circulares e Grupo de Reflexão

2010-01-30T05:55:00.000-08:00

2010-01-14T05:31:00.001-08:00

Curso de Filosofia inscrições abertas para turmas de 2010

Jornal do Instituto 2ª Edição

2009-12-20T15:43:00.000-08:00

Palestra Sybil Douek

2009-12-08T11:56:00.000-08:00

A Palestra de Sybil Douek, Psicóloga, Mestra e Doutora em Filosofia, "Sujeito e alteridade em Paul Ricoeur e Emmanuel Lévinas" aconteceu no sábado dia 28 de Novembro de 2009 e foi um sucesso.

Confira as fotos!

Jornal do Instituto Anima De Sophia

2009-11-24T06:43:00.001-08:00

O Instituto Anima De Sophia lança seu jornal!

Palestra Taro - Raissa Cavalcanti

2009-11-19T14:33:00.000-08:00

O Tarô como Caminho Iniciático

O rico simbolismo contido no Tarô convida para a abertura do seu repertorio e a entrada nos seus diversos significados. O Tarô oferece a oportunidade de distintas leituras, ampliando assim, a compreensão dos seus símbolos. Como psicóloga de abordagem junguiana, a minha leitura do Tarô é feita a partir da perspectiva da Psicologia Analítica.
A primeira vista observo nas cartas do tarô um caminho iniciático descrito através de imagens simbólicas. Mas, o que é um caminho iniciático? O processo iniciático era um conjunto de práticas e de ritos de caráter secreto, com uma estrutura bastante complexa e marcada fortemente, pela compreensão simbólica. O conjunto dessas cerimônias era chamada de Mistérios, devido ao seu cunho secreto, e tinha como finalidade principal o desenvolvimento psíquico e espiritual.
Nessas tradições havia uma seleção rigorosa de candidatos considerados aptos ou não para participarem da iniciação. As pessoas que viviam mais de acordo com a imagem exterior e voltadas para as questões materiais eram consideradas não preparadas para a iniciação. Enquanto que aquelas cuja busca de desenvolvimento era interna eram as indicadas para a experiência iniciática.
A tradição iniciática sempre existiu na humanidade desde a antiguidade, tanto no Ocidente, no Egito, na Grécia e em Roma, quanto no Oriente constituída pelas diversas escolas de Yoga. Durante a antiguidade foi um meio disponível, uma oportunidade de evolução espiritual que seguia um método rigoroso, orientado por um mestre ou guru e à parte da religião oficial.
Do ponto de vista moderno, podemos observar no processo de iniciação, um padrão que possui muitas semelhanças com a forma como Jung concebeu o processo de desenvolvimento psicológico da personalidade. A finalidade do processo iniciático era possibilitar que o indivíduo saísse da periferia da sua personalidade, da identificação com o ego, para ir ao encontro, cada vez mais profundo consigo mesmo, com a sua alma, com o seu centro interno. O indivíduo era levado a caminhar em direção ao seu centro interno e estimulado a abandonar as auto-imagens aparentes e superficiais do ego, que Jung chamou de persona.
A persona é a imagem externa, a máscara que a pessoa procura construir para se apresentar aos outros. A persona tem o propósito de encobrir as partes menos elaboradas da personalidade e mostrar uma imagem mais positiva, a forma como o indivíduo deseja ser visto. A persona geralmente, se refere aparência positiva que o indivíduo deseja exibir de si mesmo e, também, está vinculada aos papeis sociais. Jung viu a persona não como negativa, mas, por constituir o aspecto mais superficial da personalidade, a identificação com a persona, podia impedir que a pessoa construísse uma noção de identidade mais real e profunda e descobrisse o seu verdadeiro potencial.
O Oriente usava a noção de ego no sentido do “eu menor” e não com a mesma conotação que se usa na psicologia no Ocidente. O conceito do ego foi desenvolvido pela psicologia ocidental. Freud desenvolveu o conceito de ego, como o centro principal da personalidade, e da consciência. A psicanálise vê o ego como um centro importante, como a individualidade da pessoa, e com uma conotação bastante positiva. Fala-se muito freqüentemente, em reforçar o ego, estruturar o ego, como uma coisa necessária para o fortalecimento da personalidade.
Na abordagem junguiana o ego é visto como o centro da personalidade consciente, como um aspecto da percepção consciente, embora limitada. Jung usava a imagem de um holofote numa sala escura, para exemplificar a limitação da consciência do ego. Quando a luz do holofote ilumina uma área, focaliza um determinado ponto, todas as outras áreas não alcançadas pelo foco de luz ficam no escuro.
A psicoterapia junguiana tem como finalidade a ampliação da percepção sobre si mesmo e sobre o mundo, muito acima dos limites da percepção egóica. E de acordo com esta finalidade, expande o conceito da individualidade para além do ego e da persona. Para Jung, a noção de individualidade não está restrita ao ego, reside num centro interno que ele chamou de Self pessoal. O indivíduo no seu processo de desenvolvimento deve encontrar a sua verdadeira individualidade, que reside no seu interior. Deve sair da periferia do ser para o alcance de um nível de consciência mais profundo.
A proposta terapêutica de Jung se amplia, portanto para além da cura das neuroses, faz do processo terapêutico uma verdadeira oportunidade de desenvolvimento profundo, psíquico e espiritual. O trabalho de iniciação realizado nas antigas tradições, hoje acontece nos consultórios de psicoterapia junguiana.
Jung nos convida a nos arriscarmos, a irmos adiante das imagens e das demandas externas, para que seja possível a descoberta e a expressão da verdadeira individualidade. Ao explorar os potencias internos, o indivíduo amplia a consciência de quem ele é, e do seu projeto pessoal evolutivo. À medida que o indivíduo conhece e atualiza as suas potencialidades individuais, ele realiza um propósito maior que é a expressão do Self no mundo.
Jung viu a realização criativa da personalidade ligada a um desígnio divino, a manifestação do Self, através expressão das varias individualidades. A concepção de desenvolvimento da personalidade, proposto por Jung se aproxima do padrão de desenvolvimento das tradições iniciáticas, onde através de etapas definidas, se abria a possibilidade de encontro com o ser divino que existe dentro de cada um. Essas tradições tinham algo de muito moderno, que é trazido á luz pelo olhar intuitivo de Jung e pela perspectiva da psicologia que ele construiu.
Jung não se dedicou ao estudo do Tarô, ele fez uma única referencia em um livro chamado “A Projeção da Personalidade”. Mas, a sua pesquisa sobre o Inconsciente Coletivo permitiu que ele oferecesse uma compreensão mais sólida e profunda sobre a natureza do simbolismo que se encontra presente nas diversas manifestações culturais humanas.
Segundo Jung o inconsciente Coletivo tem uma atividade criativa geradora de imagens simbólicas, os arquétipos, que representam os padrões profundos do funcionamento e do desenvolvimento psíquico que transcende o tempo e o espaço. As imagens do Tarô são a expressão de conteúdos arquetípicos e universais presentes no Inconsciente Coletivo. Constituem uma herança espiritual imagética, cujo teor surpreendente faz o homem refletir sobre os mistérios que existem além do seu cotidiano banal e aparentemente, sem significado.
Essas imagens, que antes da Psicologia junguiana, pareciam incompreensíveis adquirem significado, quando compreendidas simbolicamente, como um modelo de desenvolvimento arquetípico, presente nas antigas tradições iniciáticas. As imagens da Alquimia falam de um processo iniciático de crescimento interior, de um caminhar da periferia para o centro de si mesmo. A teoria do Inconsciente Coletivo possibilitou o entendimento simbólico das imagens do Tarô, como a representação do desenvolvimento psíquico chamado por Jung de Processo de Individuação.
A influência da psicologia junguiana sobre os estudiosos do Tarô foi impressionante, determinando pesquisas mais objetivas a respeito do Tarô e despertando um novo interesse intelectual sobre as cartas. Hoje em dia, os estudiosos do Tarô citam mais Jung do que Eliphas Lévi.
É interessante notar que o Tarô surge no século XV, no momento em que a humanidade estava tentando recuperar a sabedoria antiga. No Renascimento surge o interesse pela Filosofia da antiguidade, pela Alquimia, Cabala, Astrologia e pelos estudos herméticos. Acredito que, atualmente, estamos vivendo um tipo de renascimento da visão espiritual do mundo e do homem, cresce o interesse pela Astrologia, Cabala, Alquimia e pelo Tarô como instrumentos de ampliação da compreensão do homem.
Esta tendência traduz o desejo da humanidade de contrabalançar o excesso da consciência materialista-cartesiana a qual nos impomos. O interesse que o Tarô e outras técnicas divinatórias, despertam atualmente, representa o impulso do ser humano de fazer a integração das duas polaridades, da visão objetiva do mundo, com a visão intuitiva.
Através das imagens do Tarô é possível acompanhar o desenvolvimento do processo pessoal de iniciação-individuação, vendo nas vicissitudes da vida, oportunidades de ampliação da consciência, de aprendizado e de auto-transformação. Vejo nas imagens do Tarô um protótipo imagético que sugere o Processo de Individuação.
As cartas do Tarô com suas imagens arquetípicas falam do Processo de Individuação e incitam o consulente a ampliar a sua visão sobre a sua vida, assim como sobre o seu projeto pessoal. Essas imagens codificadas constituem um mapa ou roteiro capaz de religar o homem ao sentido maior e espiritual do universo. Elas ajudam o homem contemporâneo a se relembrar do repertório arquetípico que possui internamente, como um padrão espiritual e de máxima importância para a manutenção da saúde psíquica.
A imagem do louco, por exemplo, é uma das cartas mais interessantes e intrigantes do Tarô.

O louco é representado pelo número zero, cujo significado assinala aquilo que existe potencialmente, anterior ao início de tudo. O zero como símbolo de todas as potencialidades da alma se assemelha ao círculo. O círculo simboliza o estado da totalidade primordial da alma, que precede a entrada no mundo dos fenômenos, no reino da forma. Essa carta indica a ligação da alma com a totalidade, representa o inicio e o final de um processo, ela é o alfa e o Omega. O louco aponta o caminho inicial do processo humano de expressão da alma. Esta carta fala diretamente do inicio do processo de Individuação, do percurso da alma no mundo dos fenômenos materiais. É neste plano, no qual a alma faz a sua descida e inicia o seu processo de humanização, de expressão criativa no mundo.
No Tarô de Marselha, a imagem do Louco é representada como um andarilho que leva uma pequena trouxa. Ele está acompanhado de um cão que o mordisca como que para chamar-lhe a atenção de alguma coisa. Esta imagem representa a passagem da alma pelo mundo terreno, em direção a sua jornada individual, sem desviar a atenção do caminho a ser percorrido, sem se apegar a nada. O louco simboliza a alma despida de qualquer condicionamento em busca do seu próprio caminho de realização. Expressa a liberdade de ser, completamente livre dos apegos, das dependências e dos condicionamentos sociais. A alma no seu percurso humano necessita se despir de todos os condicionamentos, de todos os apegos à dogmas e preconceitos que limitem a sua percepção sobre si mesma, que criem obstáculos para a sua livre expressão criativa para que possa buscar a verdadeira individualidade.
Esta carta indica a determinação da alma na busca da auto-expressão, que não perde a direção, o foco, e que não se deixa dispersar pelo apelo dos instintos de sobrevivência material. O Louco leva apenas uma trouxa tem apenas o suficiente material, para as suas necessidades durante o seu percurso. A trouxa também, representa o “back ground” necessário, as experiências anteriores adquiridas que o andarilho deve carregar como parte de aprendizado no mundo temporal. Na outra mão o Louco segura um cajado, símbolo da autoridade do saber intuitivo que guia o homem e o relembra da sua origem espiritual. Significa a confiança do homem na sabedoria interior e a determinação em seguir o próprio caminho. A fé na inspiração espiritual se converte num apoio contra a banalização da vida, contra a ausência de sentido e de significado.
A segunda carta mostra um mago diante de uma mesa com instrumentos e objetos. A imagem do mago se assemelha a imagem do alquimista em sua mesa de trabalho. Esta carta diz que através da experimentação na matéria, do trabalho a alma busca se encontra e se vê. O potencial criativo é revelado através da relação com a matéria. O mundo material torna-se um meio de expressão do criativo. Através da sua ação no mundo, a alma se experimenta e se reconhece. O mago representa a alma diante do seu plano de trabalho, diante da sua tarefa evolutiva. Na alquimia se dizia que uma das tarefas do alquimista era conseguir o domínio sobre a matéria. Isto significa que deve colocar a matéria a seu serviço e não se submeter à matéria.
Essas duas primeiras imagens representam a alma colocada perante as questões do seu desenvolvimento evolutivo no mundo. As outras cartas falam dos aspectos que a alma deve desenvolver e assumir na personalidade.
A carta da Imperatriz se assemelha à Sacerdotisa, mas enquanto esta tem um aspecto mais reflexivo ligado à receptividade do conhecimento, esta parece refletir o poder ativo do feminino no plano físico. A imperatriz tanto está associada ao lado fertilizador e nutridor da vida quanto a função de direção do aspecto prático da vida. A dignidade de rainha da Imperatriz mostra que ela rege o plano material com sabedoria, afeto e dignidade e por isso é capaz de atrair fertilidade, riqueza e criatividade para o outro e para si.
A carta da Torre representa um momento de confusão pela queda de conceitos estabelecidos ou de preconceito que é preciso eliminar para se obter outra visão. Muitas vezes, o fechamento em uma interpretação impede a compreensão mais ampla e o desenvolvimento fica bloqueado. É necessário se abrir para uma outra interpretação, para um outro tipo de compreensão para que se possa dar um passo adiante.
A carta do enforcado, também representa um determinado momento da vida em que as coisas parece estarem de cabeça para baixo. Ficar de cabeça para baixo, ao mesmo tempo significa suportar o abandono da estabilidade, abrir mão da segurança do conhecido, se permitir olhar as questões sob um outro ângulo, totalmente não convencional, inverter as questões, possibilitar uma nova compreensão da vida.
A carta da Papisa significa que em um determinado momento da vida é necessário assumir o poder conquistado, o poder do conhecimento, o poder da compreensão, o poder criativo no mundo. Cada carta, assim por diante, fala de um determinado aspecto que se sobressai naquele momento e que precisa ficar consciente.

É, portanto, segundo a perspectiva de um processo iniciático, de individuação que entendo as imagens do Tarô, onde cada carta representa um momento desse processo.

Ampliação de Consciência

2009-11-09T03:50:00.000-08:00

Já realizamos o 3°Encontro do Projeto Ampliação da Consciencia e Criatividade.
Os artistas já estão trabalhando nas suas obras.

Valores Humanos na Educação

2009-11-05T12:24:00.000-08:00

Valores Humanos e Educação

Atualmente, fala-se muito em valores humanos, o conceito se tornou popular e banalizado. Os valores estão relacionados às mais diversos significações, como juízo de valor, dever moral, valor de um objeto ou de uma experiência e como visão de mundo. No entanto, poucas pessoas sabem exatamente, a importância e o alcance desses conceitos para a vida do homem.
Os valores são formas de sentir, de pensar e de se relacionar com a vida e estão sempre vinculados a uma identificação com alguma coisa, a uma particular visão do mundo. Os valores se encontram numa estreita relação com o sentido da vida e como o homem conduz a sua história pessoal. A escolha de um determinado universo de valores define o que o homem é, as suas metas, as suas atitudes e o nível de desenvolvimento da sua consciência psíquica e social espiritual.
É impossível escapar da questão dos valores, pois eles exercem uma onipresença na vida humana. Atribuir valores as coisas e se guiar por eles faz parte da própria essência do homem. Existe uma interdependência dinâmica, entre os dois mundos o do valor e do ser, eles interpenetram a vida cotidiana do indivíduo, inundando todas as suas atividades.
Muitos valores são oriundos da religião, da consciência coletiva e do processo educacional e familiar, os valores são formados e estimulados pela visão de mundo e de homem que a sociedade adota. Os valores exercem uma grande força e poder, influenciando a política, a economia, o meio ambiente, a forma como o homem dirige o futuro da sociedade e do planeta.
Têm, portanto, um caráter prático imediato, uma relação direta com a vida do indivíduo. Os valores que uma determinada sociedade adota, agem de forma inconsciente, condicionando toda a vida das pessoas, sem que elas percebam, porque sentem, pensam e agem de determinada forma. Por isso, é importante examinar por qual universo de valores uma sociedade está pautando a sua vida e a dos seus cidadãos.
Na sua expressão humana, os valores são sujeitos a uma graduação, a uma hierarquia, a uma polarização, a sua deturpação, inversão ou mesmo a sua negação. Aqueles, que negam os valores humanos essenciais, nada vendo neles, sucumbem numa espécie de niilismo e de descrença absoluta. Aqueles que se guiam por valores distorcidos, estabelecem uma relação desarmônica, predatória com a vida e atraem tristeza, sofrimento e violência para si e para os que estão a sua volta.
A sociedade brasileira em geral, está passando por uma profunda crise de valores. Valores como o amor, a paz, a não-violência, o comportamento ético, a verdade, que serviam de guias condutores para um comportamento ético sofreram um processo de inversão, desvirtuamento e de negação.
De forma geral, o brasileiro tem uma formação educacional que privilegia os valores da família, do afeto, da amizade, do comportamento responsável e correto com a vida, da democracia, do respeito às diferenças. Esses valores são herança da formação histórica brasileira, fruto de diversas influências culturais que adotam valores que são universais. Os valores universais são semelhantes em todas as culturas humanas.
As contradições entre os valores universais e as atitudes sociais contrárias a esses é explicado pela perda dos valores humanos fundamentais que dirigem o comportamento de uma sociedade. Quando uma sociedade perde o seu “ethos” e passa a se reger pelos valores materialistas; quando o “ter” é superestimado em lugar do “ser”, os indivíduos se confundem e medem o crescimento e valor pessoal com o que podem consumir. A sociedade como um todo pode criar a permissão para que se alcance o ter, a qualquer preço, não importando os meios.
A perda dos valores fundamentais que guiam o homem para uma relação mais correta e ética como o outro levou a sociedade contemporânea a violência, a miséria, ao racismo, ao fanatismo, a relação predatória com o seu semelhante e todos os “ismos” negativos que o homem gerou como conseqüência.
A educação tem um papel fundamental na formação de uma consciência e da prática dos valores desde cedo, para que as crianças e jovens aprendam a se guiar por valores humanos verdadeiros e corrijam a distorção, assumindo a responsabilidade pelo futuro do país.
Foi refletindo sobre essas questões que nasceu o Projeto de Valores Humanos. Raissa Cavalcanti é criadora e coordenadora do Projeto Voluntário - Valores Humanos para Professores. Este Projeto existe há quatro anos e tem a finalidade de transmitir os valores humanos perenes relacionando-o à necessidade de desenvolvimento de uma consciência ética, como formação imprescindível nas escolas para que os jovens assumam a responsabilidade como cidadãos diante de todas as instâncias da vida.

Trecho do Livro O Retorno do Sagrado, R. Cavalcanti

2009-11-04T12:31:00.000-08:00

Trecho do Livro O Retorno do Sagrado, R. Cavalcanti
A Consciência ocidental desenvolveu-se tornando a direção unilateral do racionalismo, mas um racionalismo desalmado que se pretende cientifico.As Diferenças entre o Ocidente e o Oriente são extremamente marcantes nesse sentido. Em Zen-Budismo e psicanálise, T.D. Suziki ressalta essas diferenças por meio de dois poetas, um oriental, Bashô, e um ocidental, Tennyson. O Haikai de Bashô diz:Quando olho atentamenteVejo florir a nazuma ao pé da sebe!Kanã.E o poema de Tennyson:Flor no muro arruinado,Eu te arranco das fendas;Seguro-te aqui, com raiz e tudo nas minhas mãos,Pequenina flor,Mas, se eu pudesse entenderO que és, com raiz e tudo,Tudo em tudo,Eu entenderia Deus e os Homens.A Atitude espiritual de Bashô e a atitude cientifica de Tennyson diante da flor, características de dois tipos distintos de consciência, revelam as diferenças na relação com a natureza entre o Oriente e o Ocidente.

2009-10-30T06:02:00.000-07:00

Pensamentos

A verdadeira vida espiritual não está em contradição com a vida prática, como erroneamente se pensa. Renunciar as obrigações do mundo prático é fuga, e mostra a dificuldade do individuo de lidar com esta dimensão.R. Cavalcanti

Revista TriploV de Artes, Religiões e Ciências‏

2009-10-30T05:57:00.000-07:00

Clique na figura para ampliar a imagem

O Livro O Mundo do Pai de autoria da Psicóloga Raissa Cavalcanti,Presidente do Instituto Anima De Sophia, está sendo publicado por capitulos na Revista TriploV de Artes, Religiões e Ciências‏ de Portugal.Link para Leitura:

Visita à França

2009-10-30T05:44:00.000-07:00

Presidente e Vice Presidente do Instituto Anima De Sophia, Raissa Cavalcanti e Jacob Klintowitz, em visita à França, examinam as possibilidades de novos projetos culturais para o Instituto. Aguardem.

Palestra Adilson Ramachandra - NOVA DATA

2009-10-24T06:35:00.000-07:00

ATENÇÃO!

A Palestra do Professor Adilson Ramachandra, foi transferida para o dia 14 de Novembro às 10:00.

Palestra Professor Adilson Ramachandra

2009-10-21T16:05:00.001-07:00

Palestra Adilson Ramachandra, próximo sábado, reservas através do tel 11 70781267

Palestra - O Tarô como Caminho Iniciático - Como Individuação

2009-10-05T10:46:00.000-07:00

Palestra - O Tarô como Caminho Iniciático - Como Individuação

Local: Galeria Gravura Brasileira

Palestrante: Raïssa Cavalcanti - Presidente do Instituto Anima De Sophia

Exposição Fernando Araujo

2009-09-26T05:46:00.001-07:00

Segunda Exposição no Instituto Anima De Sophia com o Artista Fernando Araujo

Exposição Fernando Araújo

2009-09-15T05:30:00.000-07:00

Exposição Fernando Araujo

Curso De Filosofia

2009-09-15T05:22:00.000-07:00

O curso aborda as diversas correntes Filosóficas Moderna e Contemporâneas e os novos pressupostos filosóficos surgidos da Física Quântica. Enfoca principalmente as visões de mundo e de homem e os valores correspondentes. Procura mostrar os pressupostos filosóficos implicados em cada visão de mundo, o seu significado e a responsabilidade pessoal quando o indivíduo assume uma dessas visões.

Com o Professor Marcelo Koch Licenciado em Filosofia pela Universidade de São Paulo – USP, mestre em Filosofia pelo Departamento de Filosofia e Metodologia das Ciências da Universidade Federal de São Carlos. Professor de Filosofia Geral da Faculdade de Direito de São Bernardo do Campo – SP.

Curso de Dança Circular

2009-09-15T05:12:00.000-07:00

O Instituto Anima De Sophia, oferece curso de Dança Circular às sextas-feiras.
Origem - As danças circulares foram pesquisadas, sistematizadas e divulgadas pelo bailarino e coreógrafo alemão Bernhard Wosien. Estas danças foram chamadas por ele de Danças Sagradas, porque ajudam a entrar em contato com os conteúdos primordiais da alma. As danças circulares oferecidas pelo Instituto Anima de Sophia, através da orientação da professora Ana Saber tem diversas finalidades: Cultural, Terapêutica, Lúdica, Pedagógica e Ética.

Raïssa Cavalcanti: Arte e Psicologia - Ampliação de níveis de consciência

2009-09-03T14:41:00.000-07:00

Inauguração

2009-06-10T16:59:00.000-07:00

Estamos inaugurando nosso espaço Blogger!
Sejam bem vindo!